绍兴人自己的戏：绍剧名家李宝菁经典剧目表演赏析与年轻一代传承困境
绍兴这座城，走在街头巷尾，总能听见那一声高亢亮堂的”哎呀呀”——那是绍剧特有的唱腔，像一把锐利的刀，直接劈开江南的温婉，带着浙东人骨子里的硬气与热肠。今天我想跟你聊聊这位绍剧舞台上响当当的名字：李宝菁，也聊聊这门艺术在当下面临的真实困境。
李宝菁是谁？
李宝菁，1953年出生于浙江绍兴，是中国绍剧表演艺术家，国家一级演员。她在绍剧领域耕耘了四十多年，从艺以来塑造了一系列经典角色，尤其以武戏见长，功底扎实，表演风格刚健雄浑，又不失细腻生动。在绍兴老百姓心中，她是绍剧的一张名片，是那段记忆里最闪亮的戏曲面孔之一。
她的表演有几个鲜明的特点：一是唱腔高亢激越，嗓音穿透力极强，舞台上一开口，台下立马就静了；二是身段功夫扎实，武戏部分尤其出彩，翻腾跳跃干净利落；三是人物塑造有厚度，不只是”演得像”，而是真正走进了角色的内心。
经典剧目赏析：《孙悟空三打白骨精》
要说李宝菁最深入人心的角色，首推孙悟空。她在《孙悟空三打白骨精》中的表演，堪称绍剧武戏的典范。
让我具体说说她的表演细节。孙悟空这个猴王，演起来难在”像猴又不完全是猴”——要保留猴的灵动活泼，又要赋予他英雄的气魄和人的情感。李宝菁的处理非常聪明：
在身段上，她融合了京剧猴戏的精髓和绍剧自身的乡土气息。比如孙悟空出场时的”猴步”，轻盈跳跃，但加入绍剧特有的节奏处理，脚步落地更有力度，更符合浙东观众的审美习惯。她不会一味追求”快”，而是在关键处留白，让观众看清每一个动作的意图。
在唱腔上，绍剧的高腔本就有”金锣鼓、铜嗓子”之称。李宝菁的嗓音条件极好，高音区明亮不刺耳，中音区饱满有温度。在”你看那白骨夫人变作村姑”那段核心唱腔中，她从”呀呀呀”的绍剧特色起腔，先抑后扬，情绪层层递进，把孙悟空的警觉、愤怒和决绝表现得淋漓尽致。
在表演节奏上，她懂得”紧拉慢唱”和”紧唱慢做”的辩证关系。武打场面节奏明快、干净利落，但该抒情处绝不仓促。比如三打白骨精过程中，每次识破妖怪后的内心独白段落，她会适当放缓节奏，用眼神和细微的表情变化传递孙悟空的复杂心理——有愤怒，有心疼唐僧的无奈，也有坚持真理的倔强。
很多老绍兴人回忆当年的剧场，都会提到这样一个细节：李宝菁演孙悟空时，那双眼睛是会”说话”的。猴眼灵动，但又不只是模仿动物的眼神，而是带着一个有血有肉的神话英雄的内心世界。这是她和很多普通演员最大的区别。
经典剧目赏析：《于谦》
如果说孙悟空是李宝菁武戏的代表，那么《于谦》则是她文戏和花脸行当的巅峰之作。
于谦是明代名臣，在北京保卫战中立下大功，最后却蒙冤被害。这个角色的难度在于：他既是运筹帷幄的军事家，又是刚正不阿的文臣，还是一个走向悲壮结局的悲剧人物。
李宝菁在《于谦》中的表现有几个亮点：
唱念的层次感。 于谦的唱段多且重，从早年的意气风发到晚年的孤忠赴死，情绪跨度极大。李宝菁没有用一个音色演到底，而是根据人物心境的变化调整唱腔的质感。早期朝堂议事的段落，唱腔中带着书卷气和从容；后期被冤入狱，声音转沉转暗，但暗处有光，悲而不弱。
身段的文戏武唱。 于谦虽然是文臣，但作为军事统帅，需要展现出将帅之气。李宝菁在身段上处理得很巧妙——她的台步稳重大方，但每一步都有力度；手势简洁有力，不拖泥带水；尤其是在”辞朝”一场中，她的水袖运用既有文臣的庄重，又暗含着内心翻涌的不甘与悲愤。
情感的真实感。 这个戏最打动人的地方在于结尾——于谦临死前的那段独白。李宝菁的表演没有任何夸张的煽情，而是用一种近乎平静的语调，把一个忠臣对家国的眷恋、对清白的坚持、对命运的坦然层层递进地展现出来。很多观众看到这里都会流泪，不是因为演员”演得哭”，而是因为那种真实的情感共鸣。
经典剧目赏析：《五台山》
《五台山》是绍剧的传统经典剧目，讲述杨七郎突围的故事。李宝菁在这出戏中的表演，展现了她扎实的武功功底和对人物性格的准确把握。
杨七郎是个勇猛豪爽的武将，但同时又有着兄弟情义和忠君爱国之心。李宝菁的表演在这两个维度上都做得很到位：
武打场面的节奏控制。 绍剧的武戏讲究”勇猛快捷”，但勇猛不等于乱打，快捷不等于匆忙。李宝菁在《五台山》中，把每一场打斗的起承转合都处理得清清楚楚。比如杨七郎与敌将的交战，她会在关键的过招中稍微”定格”一瞬，让观众看清动作的力度和美感，然后再进入下一个回合。这种节奏感，体现了她对舞台的绝对掌控力。
人物心理的外化。 杨七郎突围途中，内心是有变化的——从最初的拼死突围，到中途的疲乏动摇，再到最后的决死一搏。李宝菁通过唱腔的力度变化、身段的轻重缓急，把这些心理层次外化给观众。尤其是在”困守五台山”一段，她的表演从激烈的武戏转向相对内敛的文戏，用疲惫的唱腔和略显虚浮的台步，传达出人物的身心俱疲，这种转换自然流畅，极具说服力。
年轻一代的传承困境
聊完李宝菁的艺术成就，我们不得不面对一个沉重的问题：绍剧的传承现状。
这个问题不是今天才有，而是已经困扰了几十年。但近十年的形势更加严峻，我想如实说出来。
第一个困境：观众老龄化严重。
去绍兴的大百台、府山公园或者乡镇的文化礼堂看绍剧演出，你会发现一个明显的现象：观众席上大多是白发苍苍的老人。年轻人来了，但往往是陪着父母来的，坐不到十分钟就开始看手机。这不是绍兴独有的问题，是全国传统戏曲面临的共同困境，但对绍剧来说尤其突出——因为绍剧的唱腔高亢激烈，审美门槛相对较高，与当代年轻人的音乐审美差距较大。
第二个困境：传承梯队出现断层。
李宝菁这一代演员，大多是从少年时期开始学戏，经过长期科班训练成长起来的。她们那一代人吃的苦，现在的年轻人未必能接受。据我了解，目前绍兴绍剧团在册的演员中，真正能打扛戏的中生代人数稀少，而更年轻的”95后”“00后”演员数量更是寥寥无几。很多戏校的学生，学了一年两年就转行去了，留下的多是出于家庭原因或特殊天赋。
一个具体的例子：绍兴某戏曲学校的一位绍剧专业教师曾对我说，现在招学生难，好不容易招到几个有基础的孩子，家长又担心学戏影响考大学，孩子自己也怕苦。这种现实困境，不是喊几句”弘扬传统文化”就能解决的。
第三个困境：创作与创新跟不上时代。
绍剧的创新一直是个难题。一方面要保留传统韵味，另一方面要吸引新观众。李宝菁晚年也曾参与新编戏的创作，但效果参差不齐。一些新编剧目要么过于保守，成了老戏的翻版；要么用力过猛，丢了绍剧的本味。
更深层的问题是：绍剧的人才储备不足以支撑大量创新实践。老演员渐渐退出舞台，中生代挑大梁的人手不足，年轻演员还在成长期。一个剧团连”常演常新”的人力都成问题，遑论创新突破。
第四个困境：新媒体时代的冲击。
短视频、直播、网游……当代年轻人的娱乐选择太多了。绍剧这种需要静心欣赏的艺术形式，天然处于劣势。但话说回来，这也不是绍剧独有的问题，话剧、歌剧、民乐都面临同样的挑战。
不过，也有值得注意的趋势。一些年轻演员开始尝试在B站、抖音等平台发布绍剧片段，用现代化的剪辑和包装吸引年轻观众。比如最近有个95后的绍剧演员，把她学的《孙悟空三打白骨精》片段配上字幕和动画效果发在抖音上，获得了不少点赞和评论。这说明，传承不是没有可能，关键是要找到合适的方式。
我们还能做什么？
说完了困境，我想谈谈一些积极的尝试和可能的出路。
第一，教育推广要从娃娃抓起。
绍兴一些小学已经开始将绍剧引入课堂，教授基本的唱腔和身段。这种做法值得肯定，但还不够。目前的课堂大多是”体验式”的，学生听一听、学一学，很难产生深入的兴趣。更有效的做法是建立长期的兴趣培养机制，比如成立校外的绍剧兴趣社团，邀请专业演员定期指导，让学生有机会系统学习。
第二，演出形式需要创新。
传统的镜框式舞台演出，对年轻人来说确实有距离感。近年来，一些剧团开始尝试”小剧场绍剧”“园林实景绍剧”等新形式，效果不错。比如在绍兴的鲁迅故里、沈园等景区，将绍剧表演融入旅游体验中，观众在游览的同时欣赏戏曲，这种场景化的体验更容易被年轻人接受。
第三，新媒体传播不能少。
绍剧需要更多的”破圈”内容。不是简单地拍一段唱腔上传，而是要用年轻人熟悉的方式来讲述绍剧的故事。比如制作绍剧角色的动漫形象，创作绍剧元素的短视频内容，与知名UP主合作推广等等。关键是要找到戏曲美学与当代传播语境的结合点。
第四，政策扶持要持续精准。
政府在戏曲传承方面的投入是有的，但需要更精准的扶持机制。比如对青年演员的培养计划、对新编剧目的创作补贴、对基层演出的场地支持等。更重要的是，要建立良性的市场机制，让剧团能够自我造血，而不是完全依赖财政输血。
写在最后
李宝菁今年已经七十多岁了，舞台上的身影或许不再像当年那样矫健，但她在绍剧界的地位无可替代。她不仅是一位优秀的表演艺术家，更是一位承上启下的传承人。多年来，她积极参与教学，培养年轻演员，把自己的经验和心得倾囊相授。
绍剧是绍兴的魂，是这片土地几百年来积累下来的文化记忆。它高亢的唱腔里，藏着浙东人的性格；它翻滚的身段中，写着这片土地上人们的喜怒哀乐。这门艺术不会因为几代人的困境就消失，但需要每一代人付出努力。
作为绍兴人，或者作为关注传统文化的人，我们能做的就是：去剧场听一场绍剧，关注相关的新媒体内容，向身边的人推荐这门艺术。也许你听第一场时觉得不习惯，但说不定听到第三场、第五场，就会渐渐品出其中的味道。
绍剧不会消亡，它只是需要时间等待新的知音。